O realismo nas artes, às vezes chamado de naturalismo, é geralmente a tentativa de representar o assunto com sinceridade, sem artificialidade e evitando convenções artísticas, ou elementos implausíveis, exóticos e sobrenaturais. O realismo tem sido predominante nas artes em muitos períodos, e pode ser em grande parte uma questão de técnica e treinamento, evitando a estilização.
Nas artes visuais, o realismo ilusionista é a descrição precisa das formas de vida, da perspectiva e dos detalhes da luz e da cor. Mas obras de arte realistas ou naturalistas podem ser “realistas” em seu assunto e enfatizar o mundano, feio ou sórdido. Isso é típico do movimento realista do século XIX que começou na França na década de 1850, após a Revolução de 1848, e também realismo social, regionalismo ou realismo da banca de cozinha. Os pintores realistas rejeitaram o romantismo, que passou a dominar a literatura e a arte francesas, com raízes no final do século XVIII.
Houve vários movimentos invocando realismo nas outras artes, como o estilo ópera do verismo, o realismo literário, o realismo teatral e o cinema neorrealista italiano.
Realismo é a representação precisa, detalhada e precisa na arte da aparência visual de cenas e objetos, isto é, é desenhada em precisão fotográfica. O realismo, nesse sentido, também é chamado de naturalismo, mimesis ou ilusionismo. A arte realista foi criada em muitos períodos, e é em grande parte uma questão de técnica e treinamento, evitando a estilização. Torna-se especialmente marcante na pintura européia na pintura neerlandesa de Robert Campin, Jan van Eyck e outros artistas no século XV. No entanto, tal “realismo” é frequentemente usado para representar, por exemplo, anjos com asas, que não eram coisas que os artistas já viram na vida real. Igualmente, os pintores do movimento de arte do realismo do século XIX, como Gustave Courbet, não são de modo algum especialmente notados para uma representação precisa e cuidadosa das aparências visuais; no tempo de Courbet, que era mais uma característica da pintura acadêmica, que muitas vezes retratou com grande habilidade e cuidado cenas que foram artificial e artificial, ou imaginou cenas históricas. É a escolha e o tratamento do assunto que define o realismo como um movimento na pintura, em vez da cuidadosa atenção às aparências visuais. Outros termos como naturalismo, naturalista e “verístico” não escapam à mesma ambiguidade, embora a distinção entre “realista” (geralmente relacionado à aparência visual) e “realista” seja freqüentemente útil, como é o termo “ilusionista” para a exatidão. renderização de aparências visuais.
O que Foi o Movimento Realista?
O movimento realista começou em meados do século XIX como uma reação ao romantismo e à pintura histórica. Em favor de representações da vida “real”, os pintores realistas usavam trabalhadores comuns, e pessoas comuns em ambientes comuns engajavam-se em atividades reais como sujeitos de suas obras. Seus principais expoentes eram Gustave Courbet, Jean-François Millet, Honoré Daumier e Jean-Baptiste-Camille Corot. De acordo com Ross Finocchio, anteriormente do Departamento de Pinturas Européias do Metropolitan Museum of Art, os realistas usaram detalhes não-purificados que descrevem a existência da vida contemporânea comum, coincidindo na literatura naturalista contemporânea de Émile Zola, Honoré de Balzac e Gustave Flaubert.
Realismo ilusionista
O desenvolvimento de uma representação cada vez mais precisa das aparências visuais das coisas tem uma longa história na arte. Inclui elementos como a representação precisa da anatomia dos seres humanos e dos animais, da perspectiva e dos efeitos da distância e dos efeitos detalhados da luz e da cor. A Arte do Paleolítico Superior na Europa alcançou representações incrivelmente realistas de animais, e a arte egípcia antiga desenvolveu convenções envolvendo estilização e idealização que, no entanto, permitiram que representações muito eficazes fossem produzidas de forma muito ampla e consistente. É comumente reconhecido como tendo feito grandes progressos na representação da anatomia, e permaneceu um modelo influente desde então. Nenhum trabalho original em painéis ou paredes pelos grandes pintores gregos sobreviveu, mas a partir de relatos literários, e o corpus sobrevivente de obras derivadas (principalmente trabalhos greco-romanos em mosaico) é claro que o ilusionismo era altamente valorizado na pintura.
A famosa história dos pássaros de Plínio, o Velho, bicando as uvas pintadas por Zeuxis no século 5 aC pode muito bem ser uma lenda, mas indica a aspiração da pintura grega. Além da precisão na forma, luz e cor, as pinturas romanas mostram um conhecimento não científico mas eficaz de representar objetos distantes menores do que os mais próximos, e representando formas geométricas regulares, como o telhado e as paredes de uma sala com perspectiva. Esse progresso nos efeitos ilusionistas não significava de modo algum uma rejeição do idealismo; estátuas de deuses e heróis gregos tentam representar com exatidão formas belas e idealizadas, embora outras obras, como os chefes do célebre Sócrates, pudessem cair abaixo desses padrões ideais de beleza. O retrato romano, quando não está sob muita influência grega, mostra um maior compromisso com uma representação fiel de seus súditos.
A arte da Antiguidade Tardia famosamente rejeitava o ilusionismo por força expressiva, uma mudança que já estava em curso quando o cristianismo começou a afetar a arte da elite. No Ocidente, os padrões clássicos do ilusionismo não começaram a ser alcançados novamente até o final da Idade Média e do início do Renascimento , e foram ajudados, primeiro nos Países Baixos no início do século XV, e por volta de 1470 na Itália, pelo desenvolvimento de novas técnicas de pintura a óleo, o que permitiu que efeitos muito sutis e precisos da luz fossem pintados usando pincéis muito pequenos e várias camadas de tinta e esmalte. Métodos científicos de representação de perspectiva foram desenvolvidos na Itália no início do século 15 e gradualmente se espalharam pela Europa, e precisão na anatomia redescoberta sob a influência da arte clássica. Como nos tempos clássicos, o idealismo permaneceu a norma.
A representação precisa da paisagem na pintura também estava sendo desenvolvida na pintura do início da Holanda e início do Renascimento e da Renascença italiana, e foi então levada a um nível muito alto na pintura holandesa da Idade do Ouro do século XVII , com técnicas muito sutis para retratar uma gama de pinturas. Depois de ser outro desenvolvimento da pintura neerlandesa primitiva, em 1600 o retrato europeu poderia dar uma muito boa semelhança tanto na pintura quanto na escultura, embora os temas fossem muitas vezes idealizados por suavizar feições ou dar-lhes uma pose artificial. Elementos da vida em outras obras desempenharam um papel considerável no desenvolvimento da pintura ilusionista, embora na tradição neerlandesa da pintura de flores há muito tempo não tinham “realismo”, em que flores de todas as estações eram tipicamente usadas, seja pelo hábito de montar composições de desenhos individuais, ou como uma convenção deliberada; as grandes exibições de buquês em vasos, embora próximas às modernas exibições de flores cortadas que eles influenciaram, eram inteiramente atípicas dos hábitos do século XVII, em que as flores eram exibidas uma de cada vez. Curiosamente, tendo conduzido o desenvolvimento da pintura ilusória, a vida ainda deveria ser igualmente significativa em seu abandono no cubismo.
A representação de objetos cotidianos comuns na arte também tem uma longa história, embora muitas vezes tenha sido espremida nas bordas das composições ou mostrada em menor escala. Isso se deveu em parte ao fato de a arte ser dispendiosa e, geralmente, comissionada por motivos religiosos, políticos ou pessoais específicos, que permitiam que apenas uma quantidade relativamente pequena de espaço ou esforço fosse dedicada a essas cenas. Manuscritos iluminados medievais às vezes contêm pequenas cenas da vida cotidiana, e o desenvolvimento da perspectiva criou grandes áreas de fundo em muitas cenas ao ar livre que poderiam ser mais interessantes, incluindo pequenas figuras sobre suas vidas cotidianas. A arte medieval e do início do Renascimento, por convenção, geralmente mostrava figuras não-sagradas no vestuário contemporâneo, de modo que nenhum ajuste era necessário para isso, mesmo em cenas religiosas ou históricas estabelecidas nos tempos antigos.
As primeiras pinturas neerlandesas trouxeram a pintura de retratos tão abaixo na escala social quanto os mercadores prósperos de Flandres, e em alguns deles, notavelmente o Retrato de Arnolfini de Jan van Eyck (1434), e mais freqüentemente em cenas religiosas como o Retábulo de Merode, por Robert Campin e sua oficina (cerca de 1427), incluem representações muito detalhadas de interiores de classe média cheios de objetos retratados com amor. No entanto, esses objetos estão, pelo menos em grande parte, lá, porque carregam camadas de significado complexo e simbolismo que minam qualquer compromisso com o realismo por si só. Ciclos dos Trabalhos dos Meses no final da arte medieval, dos quais muitos exemplos sobrevivem de livros de horas, concentre-se nos camponeses que trabalham em diferentes tarefas ao longo das estações, muitas vezes em um rico contexto paisagístico, e foram significativos tanto no desenvolvimento da arte da paisagem quanto na descrição das pessoas comuns da classe trabalhadora.
No século 16, havia uma moda para a representação em grandes pinturas de cenas de pessoas trabalhando, especialmente em mercados de alimentos e cozinhas: em muitos, a comida é tão proeminente quanto os trabalhadores. Os artistas incluíam Pieter Aertsen e seu sobrinho Joachim Beuckelaer na Holanda, trabalhando em um estilo essencialmente maneirista, e na Itália o jovem Annibale Carracci na década de 1580, usando um estilo pouco polido, com Bartolomeo Passerotti em algum lugar entre os dois. Pieter Bruegel the Elder foi pioneiro em grandes cenas panorâmicas da vida camponesa. Tais cenas agiram como um prelúdio para a popularidade de cenas de trabalho na pintura de gênero no século XVII, que apareceu em toda a Europa, com a pintura holandesa da Idade do Ouro surgindo vários subgêneros de tais cenas, os Bamboccianti (na maior parte dos Países Baixos) na Itália e na Espanha o gênero de bodegones e a introdução de não-idealizados camponeses em pinturas de história por Jusepe de Ribera e Velázquez. Os irmãos Le Nain na França e muitos artistas flamengos, incluindo Adriaen Brouwer e David Teniers, o Velho retratavam camponeses em suas pinturas, mas raramente habitantes da cidade. No século XVIII, pequenas pinturas de trabalhadores trabalhando permaneceram populares, principalmente com base na tradição holandesa, e especialmente com mulheres.
Muita arte retratando pessoas comuns, especialmente na forma de gravuras, era cômica e moralista, mas a mera pobreza dos sujeitos parece relativamente rara ter sido parte da mensagem moral. A partir de meados do século XIX, isso mudou, e as dificuldades da vida para os pobres foram enfatizadas. Apesar dessa tendência coincidir com a migração em larga escala do campo para as cidades na maior parte da Europa, os pintores ainda tendiam a pintar os pobres rurais, deixando em grande parte ilustradores como Gustave Doré para mostrar os horrores das favelas da cidade. Cenas de rua lotadas da cidade eram populares entre os impressionistas e pintores afins, especialmente os que mostravam Paris.
Os iluminadores de manuscritos medievais eram frequentemente convidados a ilustrar a tecnologia, mas depois da Renascença essas imagens continuavam em ilustração e gravuras, mas com exceção da pintura marinha desapareceram em grande arte até o início da Revolução Industrial, cenas pintadas por alguns pintores como Joseph Wright of Derby e Philip James de Loutherbourg. Tais assuntos, provavelmente, não conseguiram vender muito bem, e há uma ausência notável da indústria, além de algumas cenas ferroviárias, em pintura até o final do século 19, quando as obras começaram a ser encomendadas, tipicamente por industriais ou por instituições em cidades industriais, muitas vezes em grande escala, e às vezes dado um tratamento quase heróico.
O Realismo na Literatura
A literatura do realismo reflete a realidade da segunda metade do século XIX nas produções literárias. Os autores deste período tentaram seguir a tendência filosófica do positivismo, observando, analisando e reproduzindo fielmente a realidade.
Ao contrário do romantismo, a fase literária anterior, os escritores realistas não expressavam sua subjetividade na linguagem, mas adotavam uma atitude científica em relação aos fatos reais.
As características da literatura realista contrastam com as românticas. Os cenários tornaram-se urbanos e o ambiente social foi avaliado em vez de natural. Amor e casamento, que eram elementos de felicidade no Romantismo, tornaram-se convenções sociais de aparência.
Não houve idealização do personagem masculino como herói, mas uma representação do homem que trabalha e luta para sair de um estado medíocre. O nome deste tempo fala pela característica mais marcante: a realidade. A contemporaneidade é um atributo dos autores do realismo, lidando com o momento histórico, com o momento presente da sociedade em seus contextos políticos e econômicos.
Os números que foram criados foram baseados em pessoas comuns encontradas no cotidiano dos escritores, com seus compromissos diários dependendo da raça, clima e fatores de classe social. A linguagem no realismo é mais simples, sem preocupações estéticas exageradas, para cobrir um público maior.
O começo da literatura realista começa com a publicação de Madame Bovary por Gustave Flaubert na França, que reflete a realidade burguesa da época representada na figura de uma mulher de classe média. No Brasil, Machado de Assis começa os ideais de realismo com Memórias póstumas de Brás Cubas, um romance psicológico cujo personagem principal Brás Cubas é um autor falecido que traz o leitor com a sua experiência pessoal em contato.
