O barroco é um estilo de arquitetura, música, dança, pintura, escultura e outras artes altamente ornamentado e muitas vezes extravagante que floresceu na Europa do início do século XVII até meados do século XVIII. Seguiu o estilo renascentista e precedeu o estilo rococó (no passado muitas vezes referido como “barroco tardio”) e neoclássico. Foi encorajado pela Igreja Católica como um meio para contrariar a simplicidade e austeridade da arquitetura protestante, arte e música, embora a arte barroca luterana tenha se desenvolvido também em partes da Europa.
O estilo barroco usa contraste, movimento, detalhes exuberantes, cores profundas, grandeza e surpresa para alcançar um sentimento de admiração. O estilo começou no início do século 17 em Roma, depois se espalhou rapidamente para a França, norte da Itália, Espanha e Portugal, depois para a Áustria e o sul da Alemanha. Na década de 1730, havia evoluído para um estilo ainda mais extravagante, chamado rocaille ou rococó, que apareceu na França e na Europa central até meados do século XVIII.
A palavra “barroco” vem diretamente do francês, e pode ter sido adaptada do termo português barroco, uma pérola imperfeita. Ambas as palavras também estão relacionadas com o termo espanhol berruca (verruca).
O termo não descreve originalmente um estilo de música ou arte. Antes do século XVIII, o barroco francês e o barroco português eram termos exclusivamente relacionados a jóias. Um exemplo de 1531 usa o termo para descrever pérolas em um inventário dos tesouros de Carlos V. Mais tarde, a palavra aparece em uma edição de 1694 do Le Dictionnaire de l’Académie Française, que descreve o barroco como “usado apenas para pérolas que são imperfeitamente redondas.” Um dicionário 1728 Português descreve similarmente barroco como relativo a um “grosseiro e pérola desigual”.
O termo francês para o estilo artístico também pode ter raízes na palavra medieval latina baroco, um termo filosófico que foi inventado no século XIII pelos escolásticos para descrever um tipo de silogismo particularmente complicado, ou argumento lógico. No século XVI, o filósofo Michel de Montaigne associava o termo “baroco” a “bizarro e inutilmente complicado”.
No século XVIII, o termo também era usado para descrever música e não era lisonjeiro. Em uma revisão satírica anônima da estreia de Hippolyte et Aricie, de Jean-Philippe Rameau, em outubro de 1733, impressa no Mercure de France em maio de 1734, o crítico escreveu que a novidade desta ópera era “du barocque”, queixando-se de que a música não possuía melodia coerente, estava desanimada com dissonâncias, mudava constantemente de chave e de medidor e corria rapidamente por todos os dispositivos de composição.
Em 1762, o Le Dictionnaire de l’Académie Française escreveu que o termo poderia ser usado figurativamente para descrever algo “irregular, bizarro ou desigual”.
Jean-Jacques Rousseau, que era músico e compositor, assim como filósofo, escreveu em 1768 na Encyclopédie: “A música barroca é aquela em que a harmonia é confusa e carregada de modulações e dissonâncias. O canto é duro e não natural, entonação difícil, e o movimento limitado. Parece que o termo vem da palavra ‘baroco’ usada pelos lógicos. “
Em 1788, o termo foi definido por Quatremère de Quincy na Encyclopédie Méthodique como “um estilo arquitetônico altamente adornado e atormentado”.
Os termos “estilo barroco” e “musique barroco” apareceram no Le Dictionnaire de l’Académie Française em 1835. Em meados do século XIX, críticos de arte e historiadores adotaram o termo como uma maneira de ridicularizar a arte pós-renascentista. Esse foi o sentido da palavra usada em 1855 pelo principal historiador de arte Jacob Burkhardt, que escreveu que os artistas barrocos “desprezavam e abusavam dos detalhes” porque não tinham “respeito pela tradição”.
Alternativamente, uma derivação do nome do pintor italiano Federico Barocci (1528–1612) foi sugerida.
Em 1888, o historiador de arte Heinrich Wölfflin publicou o primeiro trabalho acadêmico sério sobre o estilo, Renaissance und Barock, que descrevia as diferenças entre a pintura, a escultura e a arquitetura do Renascimento e do Barroco.
Origens e Características do Barroco
O estilo barroco de arquitetura foi resultado de doutrinas adotadas pela Igreja Católica no Concílio de Trento em 1545-1563, em resposta à Reforma Protestante. A primeira fase da Contra-Reforma impôs um estilo acadêmico severo à arquitetura religiosa, que atraía os intelectuais, mas não a massa de frequentadores da igreja. O Concílio de Trento decidiu apelar para um público mais popular e declarou que as artes deveriam comunicar temas religiosos com envolvimento direto e emocional. A arte barroca luterana desenvolveu-se como um marcador confessional de identidade, em resposta ao Grande Iconoclasma dos calvinistas.
Igrejas barrocas foram projetadas com um grande espaço central, onde os adoradores podiam estar perto do altar, com uma cúpula ou cúpula no alto, permitindo que a luz iluminasse a igreja abaixo. A cúpula era uma das características simbólicas centrais da arquitetura barroca, ilustrando a união entre o céu e a terra. O interior da cúpula era profusamente decorado com pinturas de anjos e santos e estatuetas de estatuetas de anjos, dando a impressão àqueles abaixo de olhar para o céu. Outra característica das igrejas barrocas é a quadratura; pinturas trompe-l’oeil no teto em molduras de estuque, reais ou pintadas, cheias de pinturas de santos e anjos e ligadas por detalhes arquitetônicos com as balaustradas e consoles. Pinturas em quadratura de Atlantes abaixo das cornijas parecem estar apoiando o teto da igreja. Ao contrário dos tectos pintados de Michelangelo na Capela Sistina, que combinavam diferentes cenas, cada uma com a sua própria perspectiva, para serem vistas uma de cada vez, as pinturas barrocas do teto foram cuidadosamente criadas para que o espectador no chão da igreja teto inteiro na perspectiva correta, como se os números fossem reais.
Os interiores das igrejas barrocas se tornaram cada vez mais ornamentados no Alto Barroco, e se concentraram em torno do altar, geralmente colocado sob a cúpula. As obras decorativas barrocas mais célebres do Alto Barroco são a Cadeira de São Pedro (1647-1653) e o Baldachino de São Pedro (1623-34), ambos de Gian Lorenzo Bernini, na Basílica de São Pedro, em Roma. O Baldequin de São Pedro é um exemplo do equilíbrio de opostos na arte barroca; as proporções gigantescas da peça, com a aparente leveza do dossel; e o contraste entre as sólidas colunas torcidas, o bronze, o ouro e o mármore da peça com as cortinas fluidas dos anjos no dossel. A Frauenkirche de Dresden serve como um exemplo proeminente da arte barroca luterana, que foi concluída em 1743 depois de ter sido comissionada pelo conselho da cidade luterana de Dresden e foi “comparada pelos observadores do século XVIII a São Pedro em Roma”.
A coluna torcida no interior das igrejas é uma das características marcantes do barroco. Dá uma sensação de movimento e também uma maneira dramática de refletir a luz. A cartela era outra característica da decoração barroca. Eram grandes placas esculpidas em mármore ou pedra, geralmente ovais e com uma superfície arredondada, que carregavam imagens ou texto em letras douradas, e eram colocadas como decoração de interiores ou acima das portas dos prédios, entregando mensagens aos que estavam embaixo. Eles mostraram uma grande variedade de invenções e foram encontrados em todos os tipos de edifícios, desde catedrais e palácios até pequenas capelas.
Arquitetos barrocos às vezes usavam a perspectiva forçada para criar ilusões. Para o Palazzo Spada em Roma, Borromini usou colunas de tamanho decrescente, um piso estreito e uma estátua em miniatura no jardim além para criar a ilusão de que uma passagem tinha trinta metros de comprimento, quando na verdade tinha apenas sete metros de comprimento. Uma estátua no final da passagem parece ser em tamanho natural, embora tenha apenas sessenta centímetros de altura. Borromini projetou a ilusão com a ajuda de um matemático.
Pintura Barroca
Pintores barrocos trabalharam deliberadamente para se diferenciarem dos pintores da Renascença e do período Maneirismo depois dele. Em sua paleta, usavam cores intensas e quentes, e usavam particularmente as cores primárias, vermelho, azul e amarelo, frequentemente colocando as três em estreita proximidade. Evitaram a iluminação uniforme da pintura renascentista e usaram fortes contrastes de luz e escuridão em certas partes da imagem para direcionar a atenção para as ações ou figuras centrais.
Em sua composição, eles evitavam as cenas tranquilas das pinturas renascentistas e escolhiam os momentos do maior movimento e drama. Ao contrário dos rostos tranquilos das pinturas renascentistas, os rostos nas pinturas barrocas expressavam claramente suas emoções. Eles frequentemente usavam assimetria, com a ação ocorrendo longe do centro da imagem, e criavam eixos que não eram nem verticais nem horizontais, mas inclinados para a esquerda ou direita, dando uma sensação de instabilidade e movimento. Eles reforçaram essa impressão de movimento, tendo os trajes das personagens soprados pelo vento, ou movidos por seus próprios gestos. As impressões gerais foram movimento, emoção e drama. Outro elemento essencial da pintura barroca era a alegoria; cada quadro contava uma história e tinha uma mensagem, muitas vezes criptografada em símbolos e personagens alegóricos, que se esperava que um espectador instruído conhecesse e lesse.
As primeiras evidências das ideias barrocas italianas na pintura ocorreram em Bolonha, onde Annibale Carracci, Agostino Carracci e Ludovico Carracci procuraram devolver as artes visuais ao classicismo ordenado do Renascimento. Sua arte, no entanto, também incorporou idéias centrais à Contra-Reforma; estes incluíam emoção intensa e imagens religiosas que apelavam mais para o coração do que para o intelecto.
Outro pintor influente da era barroca foi Michelangelo Merisi da Caravaggio. Sua abordagem realista da figura humana, pintada diretamente da vida e marcada dramaticamente contra um fundo escuro, chocou seus contemporâneos e abriu um novo capítulo na história da pintura. Outros grandes pintores associados ao estilo barroco incluem Artemisia Gentileschi, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo e Paolo de Matteis na Itália; Francisco de Zurbarán e Diego Velázquez na Espanha; Adam Elsheimer na Alemanha; e Nicolas Poussin e Georges de La Tour na França (embora Poussin tenha passado a maior parte de sua vida profissional na Itália). Poussin e La Tour adotaram um estilo barroco “clássico” com menos foco na emoção e maior atenção à linha das figuras na pintura do que a cor.
Peter Paul Rubens foi o pintor mais importante do estilo barroco flamengo. As composições altamente carregadas de Rubens fazem referência a aspectos eruditos da história clássica e cristã. Seu estilo barroco único e imensamente popular enfatizava movimento, cor e sensualidade, que seguiam o estilo artístico imediato e dramático promovido na Contra-Reforma. Rubens especializou-se em fazer retábulos, retratos, paisagens e pinturas históricas de temas mitológicos e alegóricos.
Um domínio importante da pintura barroca era Quadratura, ou pinturas em trompe-l’oeil, que literalmente “enganavam os olhos”. Estes eram geralmente pintados no estuque de tetos ou paredes superiores e balaustradas, e davam a impressão de que aqueles no chão, olhando para cima, estavam vendo os céus povoados com multidões de anjos, santos e outras figuras celestes, encostadas em céus pintados e arquitetura imaginária.
Na Itália, os artistas costumavam colaborar com arquitetos na decoração de interiores; Pietro da Cortona foi um dos pintores do século XVII que empregou essa maneira ilusionista de pintar. Entre suas comissões mais importantes estavam os afrescos que pintou para o palácio da família Barberini (1633-1639), para glorificar o reinado do papa Urbano VIII. As composições de Pietro da Cortona foram os maiores afrescos decorativos executados em Roma desde a obra de Michelangelo na Capela Sistina.
François Boucher foi uma figura importante no estilo rococó francês mais delicado, que surgiu no final do período barroco. Ele projetou tapeçarias, tapetes e decoração de teatro, bem como pintura. Seu trabalho foi extremamente popular com madame Pompadour, a amante do rei Louis XV. Suas pinturas apresentavam temas mitológicos românticos e levemente eróticos.
Escultura Barroca
Peter Paul Rubens foi o pintor mais importante do estilo barroco flamengo. As composições altamente carregadas de Rubens fazem referência a aspectos eruditos da história clássica e cristã. Seu estilo barroco único e imensamente popular enfatizava movimento, cor e sensualidade, que seguiam o estilo artístico imediato e dramático promovido na Contra-Reforma. Rubens especializou-se em fazer retábulos, retratos, paisagens e pinturas históricas de temas mitológicos e alegóricos.
Um domínio importante da pintura barroca era Quadratura, ou pinturas em trompe-l’oeil, que literalmente “enganavam os olhos”. Estes eram geralmente pintados no estuque de tetos ou paredes superiores e balaustradas, e davam a impressão de que aqueles no chão, olhando para cima, estavam vendo os céus povoados com multidões de anjos, santos e outras figuras celestes, encostadas em céus pintados e arquitetura imaginária.
Na Itália, os artistas costumavam colaborar com arquitetos na decoração de interiores; Pietro da Cortona foi um dos pintores do século XVII que empregou essa maneira ilusionista de pintar. Entre suas comissões mais importantes estavam os afrescos que pintou para o palácio da família Barberini (1633-1639), para glorificar o reinado do papa Urbano VIII. As composições de Pietro da Cortona foram os maiores afrescos decorativos executados em Roma desde a obra de Michelangelo na Capela Sistina.
François Boucher foi uma figura importante no estilo rococó francês mais delicado, que surgiu no final do período barroco. Ele projetou tapeçarias, tapetes e decoração de teatro, bem como pintura. Seu trabalho foi extremamente popular com madame Pompadour, a amante do rei Louis XV. Suas pinturas apresentavam temas mitológicos românticos e levemente eróticos.
Música e Balé Barrocos
O termo barroco também é usado para designar o estilo da música composta durante um período que se sobrepõe ao da arte barroca. Os primeiros usos do termo ‘barroco’ para música foram críticas. Em uma resenha anônima e satírica da estreia em outubro de 1733 de Hippolyte et Aricie de Rameau, impressa no Mercure de France em maio de 1734, o crítico insinuou que a novidade desta ópera era “du barocque”, queixando-se de que a música não possuía melodia coerente. estava cheio de dissonâncias incessantes, mudava constantemente de chave e metro e passava rapidamente por todos os instrumentos de composição. Jean-Jacques Rousseau, que era músico e notável compositor e filósofo, fez uma observação muito semelhante em 1768 no famoso Encylopedié de Denis Diderot: “A música barroca é aquela em que a harmonia é confusa e carregada de modulações e dissonâncias. O canto é duro e não natural, a entonação é difícil e o movimento é limitado. Parece que esse termo vem da palavra ‘baroco’ usada pelos lógicos”.
O uso comum do termo para a música do período começou apenas em 1919, por Curt Sachs, e não foi até 1940 que foi usado pela primeira vez em inglês em um artigo publicado por Manfred Bukofzer.
O barroco foi um período de experimentação musical e inovação. Novas formas foram inventadas, incluindo o concerto e a sinfonia. Ópera nasceu na Itália no final do século 16 (com Dafne principalmente perdido de Jacopo Peri, produzido em Florença em 1598) e logo se espalhou pelo resto da Europa: Louis XIV criou a primeira Academia Real de Música, em 1669, o poeta Pierre Perrin abriu uma academia de ópera em Paris, o primeiro teatro de ópera na França aberto ao público, e estreou Pomone, a primeira grande ópera em francês, com música de Robert Cambert, com cinco atos, maquinário de palco elaborado e um balé. Heinrich Schütz na Alemanha, Jean-Baptiste Lully na França e Henry Purcell na Inglaterra ajudaram a estabelecer suas tradições nacionais no século XVII.
O ballet clássico também se originou na era barroca. O estilo de dança da corte foi trazido para a França por Marie de Medici, e no começo os membros da corte eram os dançarinos. O próprio Louis XIV se apresentou em público em vários balés. Em março de 1662, a Académie Royale de Danse foi fundada pelo rei. Foi a primeira escola profissional de dança e companhia, e estabeleceu os padrões e o vocabulário para o balé em toda a Europa durante o período.
Vários novos instrumentos, incluindo o piano, foram introduzidos durante este período. A invenção do piano é creditada a Bartolomeo Cristofori (1655–1731) de Pádua, Itália, que foi contratado por Ferdinando de ‘Medici, Grande Príncipe da Toscana, como o Guardião dos Instrumentos. Cristofori chamou o instrumento de cimbalo di cipresso di piano e forte (“um teclado de cipreste com suave e alto”), abreviado ao longo do tempo como pianoforte, pianoforte e, mais tarde, simplesmente, piano.
